Creed: "Corazón de Campeón"

Hace 40 años, un joven que se ganaba la vida haciendo películas pornográficas y saliendo de extra en algunas películas independientes, tuvo la inspiración y la pasión de escribir un guión, después de ver una pelea de Muhammad Ali, donde narraba la historia de un boxeador de origen italiano. Este joven era Sylvester Stallone, quien tuvo que pelear por que se hiciera la película, ya que los estudios no le querían dar el papel protagónico. Sin embargo, logró la financiación de la cinta, y al fin de al cabo “Rocky” se consagró como uno de los filmes más emblemáticos del género deportivo.

Después de 5 secuelas que resultaron ser decepcionantes a comparación de la primera, llega “Creed: Corazón de Campeón”. Cuando todos creían que la saga de “Rocky” había pasado a la prehistoria, nos topamos con este spin-off de la dinastía boxeadora. La cinta narra la historia de Adonis Johnson (Michael B. Jordan) hijo de Apollo Creed, eterno rival de Rocky Balboa y campeón del mundo de los pesos pesados. El joven Adonis quiere seguir los pasos de su padre y dedicarse al boxeo y, recuperar el título de campeón que consiguió su padre en 1979. No cabe duda que lleva el boxeo en la sangre,  por lo que el joven decide trasladarse a Filadelfia, lugar en el que se celebró el legendario combate entre su padre y Rocky Balboa.

Adonis quiere dejar de seguir siendo la sombra de su padre y hacerse un nombre propio. No obstante, necesita mucho esfuerzo y dedicación, que en resumidas cuentas se traduce en mucho entrenamiento, para lograr alcanzar el prestigio que tuvo su padre. El hijo del antiguo vencedor busca a alguien que cumpla la función de mentor, para ayudarle en su camino hacia la victoria, razón por la cual Rocky Balboa (Sylvester Stallone) entra en escena. En un principio el boxeador retirado duda sobre la propuesta de volver a las andadas, porque insiste en que ya ha dejado ese mundo para siempre. Sin embargo, tras ver que Adonis posee la misma fuerza y determinación que alcanzó a contemplar con Apollo, finalmente acepta el reto y se vuelve entrenador del chico. Rocky ayuda al joven a conseguir su sueño, enseñándole sus exitosas técnicas y transformándole en cierta manera, en su sucesor.

Ryan Coogler, director de la cinta, hace un trabajo excelente en cuanto a realizar una cinta que logra cumplir la difícil tarea de mirar atrás con nostalgia y al mismo tiempo mantener en pie por sí sola una genuina y sólida obra dramática. El guión es bueno, pero cabe destacar los silencios que utiliza Coogler para lograr que el público se mantenga inmerso en la historia, sobretodo en las peleas.  Lo más halagador de “Creed” es que es una película que le rinde homenaje a “Rocky”, pero también nos ofrece algo nuevo que no habíamos visto en las precuelas,  actuaciones sólidas y un manejo de cámara sobresaliente.

Michael B. Jordan logra dar un gran paso en su carrera como actor, ya que el trabajo físico que tuvo que realizar meses antes de comenzar a filmar fue brutal. Los entrenamientos rindieron cuentas al ver en la pantalla grande al hijo de Apollo Creed,  no fingiendo boxear, sino en realidad boxeando enfrente de la cámara. Sylvester Stallone logra cumplir con una actuación muy buena, de lo mejor que le he visto a pesar de que no ha sobresalido en muchas películas. Pero la manera en que está desarrollado el personaje, como un Rocky haciendo la tarea de mentor y hombre sabio del boxeo, es lo que hace que sea uno de los mejores trabajos de Stallone en escena.

 Respecto a los aspectos técnicos de la cinta, cabe mencionar la edición de sonido y el manejo de cámara. Al ver cómo se desquitan en el cuadrilátero, con cualquier cantidad de golpes, la manera en que están filmadas esas secuencias son de gran mérito. Resaltar la coreografía de la cámara respecto a las peleas, ya que fueron filmadas en plano secuencia para que los espectadores se sintieran en el ring junto con Creed y Balboa. La edición de sonido cumple muy bien ya que hace uso de muchos silencios a lo largo de la historia, y en momentos en los que te esperas que el sonido esté al máximo volumen, a consecuencia del público y los golpes en el cuadrilátero. Empero, utiliza muchos silencios para darle tensión y dramatismo a las escenas, tal y como pasó con “Toro Salvaje”, de Martin Scorsese.

Conmovedora, sorprendentemente emocional y visualmente dinámica, “Creed: Corazón de Campeón”, de la mano de Ryan Coogler, es una digna sucesora de "Rocky", recordándonos por qué la gente quedó fascinada con ella. 

The Revenant: "Poesía Visual"

Alejando González Iñárritu se dio a conocer gracias a su brava narración y su perfeccionismo por lo que logra sacar lo mejor de cada actor en su respectivo papel. A lo largo de su trayectoria artística ha tocado diversos temas muy fuertes pero debido a su ingenio y creatividad ha logrado desmenuzar cada uno de ellos de manera pulcra. Cuando el público e incluso la crítica empezó a catalogar el cine de el “Negro”, como un cine dramático y doloroso. Con tres líneas narrativas que se entrecruzan a lo largo del filme, a excepción de “Biutiful”. En ese momento Iñárritu tomó un salto de fe y se arriesgó a realizar un largometraje de otra índole como lo fue “Birdman”, la cual fue muy bien recibida por la audiencia y la crítica.  Sin embargo, el mexicano tenía en mente otro proyecto que sí o sí quería realizar antes de empezar a rodar “Birdman”. Dicho trabajo era la adaptación a la pantalla grande de “The Revenant” (El Renacido).

“The Revenant”, es una adaptación de la novela escrita por Michael Punke. La historia toma lugar en las profundidades de la América salvaje, en el año 1823.  El filme narra la historia de Hugh Glass (Leonardo DiCaprio), un explorador que junto con su hijo mestizo Hawk (Forrest Goodluck) pertenecen a un grupo de tramperos que recolectan pieles. Glass resulta gravemente herido ya que es atacado por un gran oso Grizzly. A su grupo le es muy complicado trasladarlo hasta su base ya que tendrían que cargarlo en camilla y subir montañas resbalosas por la nieve. Así que el capitán del grupo, Andrew (Domhnall Gleeson) decide que algunos miembros del equipo se queden a cuidar a Hugh, en lo que el resto se dirige a la base.

Uno de los miembros que decide quedarse con Glass, es John Fitzgerald (Tom Hardy), quien ciertamente lo hace porque el capitán ofreció dinero extra a quien lo hiciera. Al saber que Hugh estaba gravemente herido y que tenía las posibilidades mínimas de sobrevivir, Fitzgerald traiciona a su grupo y asesina a sangre fría al hijo de Glass, además de sepultar al propio Hugh aún estando con vida. Con la fuerza de voluntad como su única arma, Glass decide emprender un viaje brutal en el cual deberá enfrentarse a un territorio hostil, un invierno bárbaro y las tribus de nativos americanos. Todo en búsqueda del hombre que le quitó todo lo que quedaba de él, su hijo.

Mucho se habló del terrible infierno helado que pasó el equipo de producción al filmar este proyecto. También se llegó a comentar que el presupuesto de la cinta se había elevado a cifras inverosímiles para el tipo de películas que realizaba Iñárritu. Pero como el mismo director dijo, “aquí lo importante es el filme en sí, no cuánto costó ni cómo sufrimos para lograr que se hiciera, eso es problema nuestro”.  Y como resultado de ese riesgo que tomaron los productores de la cinta, incluido el propio Alejandro, lograron moldear un filme que pocas veces ves en la industria hollywoodense.

Iñárritu, junto con “El Chivo” Lubezki han creado un retrato espléndidamente vívido y visceral de la resistencia humana en condiciones deplorables y casi insoportables. La película es larga, y contiene poco diálogo. Pero el diálogo es solamente una pequeña pieza del enorme rompecabezas que es la obra completa. La película no es fácil de digerir ya que contiene escenas muy explícitas, a causa de la violencia de la misma. No obstante, Iñárritu logra crear una obra que muestra un realismo brutal y al mismo tiempo una poesía visualmente hermosa.

A pesar de que las condiciones de filmación no eran las más aptas para ello, Lubezki nos vuelve a dejar boquiabiertos con sus imágenes indelebles, lo cual hace que la película se convierta, echando mano del equipo de edición de sonido y efectos visuales, en una completa experiencia sensorial.  Cabe destacar el score compuesto  por Alva Noto, Ryuichi Sakamoto y Bryce Dessner. Este trío logra crear una música muy acorde a la narración del filme, no solo tomando en cuenta la historia, sino también la época en la que se desarrolla y el lugar.

Iñárritu tenía muy claro a quién quería para interpretar el papel de Hugh Glass, a nadie menos que a Leonardo DiCaprio en la etapa de su carrera donde ha alcanzado su madurez profesional. El trabajo de Leo es único, algo que nunca antes habíamos visto de él. Muestra sus dotes interpretativos a su máximo esplendor, aceptando el reto de trabajar en condiciones extremas con el intenso frío de Canadá y Argentina. Gracias a este increíble compromiso, Leo logra sacar lo mejor de él como actor, dejando a un lado las palabras y mostrándonos su deslumbrante talento con el lenguaje corporal.

“The Revenant”, es una película emocionante, dolorosa, espiritual, violenta, hermosa, una obra maestra del cineasta mexicano. Para concluir, mucho se habla de cuántos Oscares se va a llevar la cinta y si por fin será la película con la que DiCaprio gane su primera estatuilla dorada. Siendo francos, el reconocimiento y los premios pasan a un segundo plano, ya que Iñárritu no hace películas para la industria, sino para el público ya que nosotros somos la piedra angular por la cual cineastas como Alejandro sigan haciendo filmes de esta índole.

Las 10 mejores películas del 2015

El criterio que utilicé para escoger las mejores cintas del año se basa en parte de la crítica que recibió la película, sin embargo no por tener las mejores críticas del año signifique que las incluí en la lista. Obviamente tomé en cuenta mi gusto personal, tal vez algunos filmes no fueron tan conocidos en nuestro país ya que duraron muy poco en cartelera. Cabe aclarar que escogí películas que fueron proyectadas en nuestros cines el 2015, es por eso que no podía incluir las cintas que ya se estrenaron en E.U. pero aquí no. Si no han visto alguna de las que menciono, créanme que deben verla, para nada se van a decepcionar.

-Güeros (México)

            -Director: Alonso Ruizpalacios

            -Reparto: Tenoch Huerta, Sebastián Aguirre e Ilse Salas

El primer largometraje de Alonso Ruizpalacios dejó un muy buen sabor de boca no sólo en México sino alrededor del mundo siéndose acreedor de varios premios en festivales internacionales. El filme rompió paradigmas respecto al estilo de películas mexicanas que últimamente se han producido. Contando la historia de Tomás, un joven que se muda con su hermano mayor al D.F. donde recorrerían gran parte de la ciudad en busca de su ídolo de rock. La fotografía, la edición de sonido, las actuaciones y el guión destacan de gran manera.

-Intensa Mente (Estados Unidos)

            -Director: Pete Docter

            -Reparto: Amy Poehler, Bill Hader y Lewis Black

Cuando todos creían que la colaboración entre Disney y Pixar ya había tocado techo, y no podían seguir creando proyectos innovadores, nos topamos con “Intensa-Mente”. Quién podría pensar que algún día podíamos ver una película animada “para niños” tocando temas tan subjetivos como son nuestras emociones y sentimientos. Este filme narra la historia de Riley, una chica de 11 años que se enfrenta a una serie de situaciones, las cuales vemos a través de sus pilares de personalidad, Alegría, Furia, Tristeza, Miedo y Desagrado. Una cinta que contiene secuencias increíbles tocando temas tan abstractos de nuestro ser, pero la manera en que la proyectan en la historia es puro fruto de la creatividad.

-Ex-Machina (Reino Unido)

            -Director: Alex Garland

            -Reparto: Alicia Vikander, Domhnall Gleeson y Oscar Isaac

Otro debut de un director en la lista, Alex Garland realiza su ópera prima tocando el tema de la inteligencia artificial. Toma lugar en un futuro no muy lejano, donde narra la historia de un joven programador el cual es seleccionado para participar en un experimento en inteligencia artificial con el propósito de ayudar al creador a evaluar a una mujer robot. La cinta le da un aire nuevo al género de Ciencia Ficción, con este relato dramático muy bien narrado, que hasta el final te deja sin aliento. Tal y como es la mujer de inteligencia artificial, una mezcla de “tipos” de mujeres, el filme es un combinación de géneros, mezclando el thriller con el drama y la ciencia ficción, dando como resultado un excelente filme.

-Mad Max: Furia en la Carretera (Australia)

            -Director: George Miller

            -Reparto: Tom Hardy, Charlize Theron y Nicholas Hoult

George Miller regresó al cine con la cuarta entrega de la saga post-apocalíptica que resucita la trilogía que a principios de los ochenta protagonizó Mel Gibson. Un filme vertiginoso, lleno de locura, violencia y gasolina, pura dinamita visual. “Mad Max” se ve arrastrado a formar parte de un grupo que huye a través del desierto liderados por Furiosa. Immortan Joe, el Señor de la Guerra moviliza a todas sus bandas y persigue implacablemente a los rebeldes en una "guerra la carretera" de altas revoluciones. Con unas secuencias tan locas como los mismos personajes, con efectos prácticos, además de tocar varias ideas revolucionarias de un futuro apocalíptico muy cercano a nuestro presente. Una obra maestra del cine de acción, brutalmente hermosa.

-Sicario (Estados Unidos)

            -Director: Denis Villeneuve

            -Reparto: Emily Blunt, Josh Brolin y Benicio Del Toro

“Sicario” es un crudo acercamiento a la guerra del narcotráfico que se vive en la frontera de México y E.U.  La historia la vemos desarrollarse a través de los ojos de Kate Macer, una joven agente del FBI. El director francocanadiense, Denis Villeneuve, logra crear un ambiente que no es desconocido para la ficción cinematográfica. Empero, hay que destacar la manera en que está narrado el filme, esa bravura de narración y el fenomenal manejo de tensión y suspenso. Una intensa narración fílmica, con un score magnífico al igual que la fotografía. Nos topamos con la delgada línea que divide el bien del mal, pero nunca sabemos de qué lado está cada personaje.

-Eden (Francia)

            -Director: Mia Hansen-Løve

            -Reparto:  Félix de Givry, Pauline Etienne y Vincent Macaigne

Un retrato generacional, en donde proyecta de forma majestuosa el cambio de generación musical de los años 90’ a los 00’. En la excitante vida nocturna parisina, el joven Paul da sus primeros pasos como DJ en la década de los 90’, por lo cual somos testigos de sus primeros 10 años de carrera profesional. Mia Hansen-Løve logra una narración visual y verbal muy compleja pero a la vez elegante. Vemos en Paul el retrato de una generación energizada por la música que transformó la industria musical, a caer en el gran hoyo que mantiene hoy en día a la música que no genera ningún estímulo emocional, todo es superficial.

-Carmín Tropical (México)

            -Director: Rigoberto Perezcano

            -Reparto: José Pecina, Luis Alberti y Everardo Trejo

Es la historia de un regreso, el de Mabel a su pueblo natal para encontrar al asesino de su amiga Daniela. Un viaje por la nostalgia, el amor y la traición en un lugar donde el travestismo cobró en su día una inusual dimensión. Es el segundo largometraje de Perezcano, el cual se ganó 8 nominaciones al Ariel, llevándose a casa el de mejor guión. La cinta es un thriller muy bien ejecutado, con una fotografía con detalles al estilo Film-Noire, que quedan a la perfección con la historia. La edición y la estructura de la cinta cabe resaltarla ya que maneja muy bien la tensión y el suspenso toda la película, dando un final muy emocionante.

-Star Wars: El Despertar de la Fuerza  (Estados Unidos)

            -Director: J.J. Abrams

            -Reparto: Daisy Ridley, John Boyega y Oscar Isaac

De la mano de J.J. Abrams, director de “Star Trek” y “Lost”, llegó el séptimo episodio de la saga, “El Despertar de la Fuerza”. Toma lugar 30 años después desde que el Imperio Galáctico fue derrotado por los Rebeldes. Una nueva República se ha constituido, pero una siniestra organización, la Primera Orden, ha resurgido de las cenizas del Imperio Galáctico. A los héroes de antaño, se suman nuevos héroes: Poe Dameron, Finn, Rey, y BB-8. Todos ellos luchan contra las fuerzas del mal, liderados por Kylo Ren, un temible y poderoso discípulo del Lado Obscuro. Lleno de momentos nostálgicos, batallas aéreas, combate de sable de luz, una que otra risa con BB-8 y Finn. Para ponernos de pie y darle un fuerte aplauso a J.J. Abrams, que no cualquiera puede devolverle la fuerza a millones de fanáticos que aman la saga y habían perdido fe en ella con la trilogía pasada.

-La Oveja Shaun (Reino Unido)

            -Director: Richard Starzak, Mark Burton

            -Reparto: Animación

Del estudio de animación Aardman, mismos que trajeron “Wallace & Gromit” y “Pollitos en Fuga”, llegó la comedia animada, “La Oveja Shaun”. Realizada meramente con animación Stop-Motion, esta cinta toca la cúspide de la animación, ya que nos demuestra que el humor blanco aún posee capacidad de sorpresa, sin decir ni una sola palabra en todo el filme. Narra la aventura de Shaun ya que decide tomarse el día libre y divertirse un poco. Las trastadas de Shaun acaban por lograr que se lleven al Granjero, así que Shaun y el rebaño han de viajar a la Gran Ciudad y rescatarle. Alcanza una excelencia hecha a mano e incluso digna de los clásicos de comedia silente.

-Steve Jobs (Estados Unidos)

            -Director: Danny Boyle

            -Reparto: Michael Fassbender, Kate Winslet y Seth Rogen

Escrita, dirigida e interpretada a la perfección, y tan fresca y deslumbrante en su concepción y ejecución que te deja asombrado. La cinta es un biopic del mítico empresario y programador informático Steve Jobs, centrada en la época en la que lanzó los tres productos icónicos de Apple. Es un retrato maravilloso del genio estadounidense interpretado por Michael Fassbender quien logra un trabajo ambicioso y brillante lo cual hace que arrase con el papel. En la dirección, Danny Boyle le da un ritmo electrizante al filme y combinado con el guión casi teatral de Aaron Sorkin, divido en tres actos, hace que la narración fílmica de la cinta sea muy entretenida.